20 Películas de Anime que tienes que ver...

Para nuestros queridos amig@s otakus esta vez traemos una lista con las mejores películas de Anime que según nuestra opinión ningún amante de este género se puede perder. Esperamos que lo disfrutéis tanto como nosotros!

Anime: Ghost in the Shell

20 películas de anime que tienes que ver

No hace mucho que hablábamos sobre las 20 mejores series de anime y ahora volvemos para hacer lo propio pero con una lista de las 20 mejores películas de anime. Algunos estarán hartos de las listas y pensaran que son una condenada tontería, pero son una forma sencilla de ilustrar los gustos personales. Lógicamente, son todas las que están para nosotros, pero no están todas las que son para vosotros. Y eso sin contar toda la animación que no hemos visto.

Aclarar que la lista no tiene puestos definidos, ya que no somos capaces de ordenar las películas sin querer cambiarlas al instante, por lo que los números que veis son con un mero propósito de enumeración, para no perdernos a la hora de editar y leer, pero no quiere decir que las de las primeras posiciones sean mejores que las de las últimas. Para nosotros, todas las películas de la lista merecerían estar en los primeros puestos por una u otra razón, ya sea por su calidad, mensaje, trascendencia, premios, originalidad, repercusión, música, idea...

1. Akira

De la mente de Hatzuhiro Otomo surge esta película gore desarrollada en Neotokio, una ciudad reconstruida en el año 2019 tras sufrir los efectos de una explosión nuclear que desencadena la tercera Guerra Mundial. El gobierno controla la ciudad y experimenta con niños con poderes psíquicos, aplicándoles fármacos para potenciar sus poderes.

Akira

Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla llamada "The capsules" que tienen entre otras aficiones participar en las peleas callejeras contra otras bandas, enfrentándose continuamente contra la pandilla llamada "The clowns". En una de estas peleas, Tetsuo sufre un accidente causado por un extraño niño. A partir de ese accidente, Tetsuo no vuelve a ser el mismo.

Tráiler Akira

Seguramente podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que gran parte de la repercusión y expansión que el anime ha conseguido fuera de las fronteras niponas se lo debemos en gran medida a esta gran película. No dejéis de verla si es que queda alguno que aún no lo haya hecho a estas alturas!

2. Ghost in the Shell

Masamune Shirow nos trae los mejores efectos de la animación al estilo cyberpunk de clara influencia para películas como "Matrix" o similares. Ambientada en el siglo XXI, narra las misiones de Motoko Kusanagi, la Mayor a cargo de las operaciones encubiertas de la "Sección 9", especializada en crímenes tecnológicos. La misma Kusanagi es un cyborg, con un cerebro humano en un cuerpo artificial, lo que le permite ser capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas por su labor.

Ghost in the shell

En este particular universo, los cyborgs están formados por cerebros humanos en cuerpos mecánicos. Si bien poseen músculos y piel, se trata de elementos creados artificialmente. Los cyborg pueden comunicarse entre ellos sin necesidad de hablar físicamente, y se conectan a servidores a través de cables que conectan a su propio cuerpo. La "ventaja" de los cyborgs es que aunque su cuerpo físico se deteriore, si el cerebro es trasplantado en otro cuerpo, seguirá existiendo como tal.

Ghost in the shell

Se hace difícil establecer un límite entre donde acaba el ser humano y empieza el robot. Tal es así que la propia Kusanagi se plantea la veracidad de sus recuerdos, y no sabe realmente qué es. De este modo, la inteligencia artificial y la vida humana se fusionan creando nuevas formas de vida que a ciencia cierta no se sabe si podrían considerarse plenamente humanas.

Tráiler Ghost in the Shell 1

Tráiler Ghost in the Shell 2

De Ghost in the Shell se hizo posteriormente una serie anime, debido en gran parte al éxito cosechado por la película, que se convirtió en un referente del género cyberpunk. Tanto la serie como las películas posteriores son excelentes también, pero sin duda la primera película en base al manga original es la que te aconsejamos que no deberías perderte.

3. La princesa Mononoke

Para todos aquellos que no la conozcáis, "La Princesa Mononoke" es una de las películas de mayor reconocimiento de Hayao Miyazaki, co-fundador del famoso Studio Ghibli. Hecha en 1997, cuenta la historia de Ashitaka, un príncipe que se ve arrojado a viajar para encontrar una cura a la maldición que le han lanzado. Durante el viaje se verá envuelto en una guerra entre dos frentes: el bosque y sus seres contra la Ciudad del hierro. En esta trepidante aventura conocerá a San, la chica loba, que le llevará hasta el Espíritu del Bosque, ya que éste es su única esperanza para ser curado. Sin desvelar más detalles, animamos a todo aquel que no la haya visto que lo haga, seguro que no os defraudará.

La princesa Mononoke

La película tiene un ritmo muy dinámico con mucha acción y escenas muy rápidas. El dramatismo de la historia llega al corazón de cualquiera y además consta de un trabajo de dibujo y de animación excepcional, ofreciendo un trabajo extraordinario por ejemplo en los paisajes de ambientación. Como muchas de las obras de Miyazaki lleva implícito un potente mensaje de crítica a la masiva desaparición de espacios naturales. Siempre se ha caracterizado por sus mensajes antibélicos, de cuidado de la naturaleza o responsabilidad, y su obra siempre ha estado enfocada en los niños, al punto de ser llamado el "Disney japonés".

Tráiler La Princesa Mononoke

4. El Viaje de Chihiro

Película del ya mencionado Hayao Miyazaki, el John Ford de la animación, que ofrece su obra más compleja, seria y profunda. No en vano es ganadora de un Oscar a la Mejor película de animación (2002).

Chihiro es una niña de diez años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un túnel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los seres humanos, sólo para los dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

El viaje de Chihiro

Un ensayo sobre los miedos, la perdida de la inocencia y el alma humana. Contiene toda su imaginación en una atmósfera hipnótica. Del mismo año que Shrek (2001), demostró que la animación tradicional no tiene rival y que puede usarse para construir un discurso. Diseño de personajes inolvidables.

Tráiler El Viaje de Chihiro

5. La tumba de las Luciérnagas

Fue la primera película dirigida por Isao Takahata con el Studio Ghibli, del cual es el otro co-fundador junto con el ya mencionado Hayao Miyazaki , y es el tercer largometraje del estudio. Considerada, junto a "La lista de Schindler" de Steven Spielberg y "El pianista" de Roman Polanski, como una de las mejores películas anti-belicistas de todos los tiempos, y una obra maestra del cine de animación.

La tumba de las luciérnagas

Seita y Setsuko, de catorce y cuatro años respectivamente, son dos niños que se ven obligados a buscarse la vida en el durísimo contexto de un Japón diariamente acribillado y bombardeado por la aviación norteamericana en plena antesala del fin de la Segunda Guerra Mundial, en 1945, tras la trágica y muy dolorosa muerte de su madre. Este es el sencillo argumento de esta obra maestra que conmueve a cualquiera que la ve.

Tráiler La Tumba de las Luciérnagas

6. A 5cm por segundo

Subtitulada "Una colección de historias sobre la distancia", es una película de anime del año 2007 dirigida por Shinkai Makoto. La película se divide en tres partes: "Flor de cerezo", "Cosmonauta", y "Cinco centímetros por segundo".

A 5 cm por segundo

Shinkai Makoto había expresado que, a diferencia de sus últimos trabajos, no habría fantasía o elementos de ciencia ficción en esta película. En su lugar, la película procuraría presentar un mundo verdadero aunque desde una perspectiva diferente. Es así como la película de Makoto da una vista realista de las luchas a las que muchos hacen frente contra el tiempo, una vista del espacio, de la gente y del amor.

El título "5cm por segundo" proviene de la velocidad a la cual los pétalos de sakura caen del árbol. Los pétalos son una representación metafórica de los seres humanos, evocadora de la lentitud de la vida y de cómo la gente, que comienza a menudo junta, lentamente se van separando y toman caminos diferentes.

Tráiler A 5 cm por segundo

7. El castillo ambulante

Hayao Miyazaki lleva a la animación el relato que reproduce con fidelidad la novela de Diana Wynne Jones en 2004. En la historia Sophie trabaja día a día haciendo sombreros en la tienda que heredó de su padre al morir. Un día mientras da un paseo, Sophie se encuentra con un hechicero llamado "Howl". El hechicero es muy elegante y guapo. Pero una malvada bruja en un ataque de celos hace caer una maldición sobre Sophie, transformándola en una viejecita de noventa años. Desesperada, Sophie abandona su casa y vaga triste sin rumbo fijo, cuando de pronto se encuentra con el increíble Castillo Ambulante de Howl, el hechicero. Escondiendo su verdadera identidad, entra al castillo como ama de llaves, descubriendo así la verdadera identidad de Howl.

   

El castillo ambulante

La película goza de un impecable aspecto técnico, el logrado diseño del propio castillo, que bebe de la obra del artista neorealista Jean Tingueli (famoso por su arte cinético), y el constante derroche visual de una historia desarrollada en lugares bucólicos como el mar o las verdes praderas, que bien podría entenderse como una nueva muestra de la pasión de Miyazaki hacia la riqueza universal de la madre naturaleza.

Sophie y Howl

También son magníficas algunas de las frases de su guión, como "los mejores brillan más que nunca en las peores circunstancias", o esa otra, especialmente significativa, que reza que "una ventaja de ser vieja es que ya no tienes miedo de nada"; una línea de texto, esta última, que resume el que es uno de los grandes temas de la película: la reivindicación de la vejez en una época en la que parte de la sociedad no termina de valorar el papel fundamental que desempeñan los ancianos.

Nominada al Oscar en 2005, El castillo ambulante es una película que, a pesar del sabor agridulce que deja, se hace indispensable por sus altas cotas de belleza, su mensaje reivindicativo y su logrado e impecable aspecto técnico.

Tráiler El Castillo Ambulante

8. Perfect Blue

Perfect Blue, dirigida por Satoshi Kon siguiendo el guión que Sadayuki Murai escribió basándose ligeramente en la novela del mismo nombre, escrita por Yoshikazu Takeuchi, es una de esas películas que no se olvidan fácilmente aunque la hayas visto solamente una vez; y que, por algún motivo, dejan una marca permanente en tu memoria.

Perfect Blue

La película empieza con un número musical del grupo de la protagonista, un trío pop de éxito llamado "Cham", cuya líder abandona para empezar una carrera en solitario. Un inicio verdaderamente dulce e inocente, que al poco rato dará paso a una película verdaderamente espeluznante, opresiva, claustrofóbica y fría, en el mejor sentido de la palabra. Perfect Blue no es una película para pasar un rato divertido, ni siquiera agradable, sino para sumergirse en una realidad alterada y esquizofrénica en la que nada parece tener sentido.

Pese a esta descripción, Perfect Blue es una película thriller con un trasfondo más real de lo que parece a simple vista. Humana, y con un trato de los personajes realmente excelente. Vale la pena comentar que el guión es también excelente y que su argumento nos mantiene pegados a la pantalla durante las casi dos horas de metraje, gracias a su ritmo que equilibra a la perfección los momentos más frenéticos con las escenas de calma.

Perfect Blue

Perfect Blue es una película extremadamente violenta, pero no desde el punto de vista que muchos puedan imaginar. Aquí no hay descuartizamientos, ni litros de sangre ni escenas de acción, pero sí escenas muy fuertes, de carácter psicológico, que no requieren sangre para impresionar.

Y por si fuera poco, la película viene aderezada con una excelente banda sonora que refuerza aún más la paranoia y el onirismo que la caracteriza. Todo un cóctel de cualidades para una película que a buen seguro no dejará a nadie indiferente.

Tráiler Perfect Blue

9. Mi vecino Totoro

Dirigida por el omnipresente en esta lista Hayao Miyazaki en 1988, es el cuarto largometraje realizado por el Studio Ghibli, del que Totoro es su logotipo. Elegida por la revista británica Time Out como la mejor película de animación de la historia.

Mi vecino Totoro

En los años 50, una familia japonesa se traslada al campo. Mei y Satsuki son dos hermanas que un día, por casualidad, descubren la existencia de los totoros: espíritus guardianes del bosque que sólo los niños de corazón puro son capaces de ver. Su padre es un profesor universitario que estimula la imaginación de sus hijas relatándoles fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital. Junto a estas entrañables criaturas y al Gatobús(Nekobasu), Mei y Satsuki descubrirán el verdadero valor de la amistad, del amor y de la familia en una maravillosa e inolvidable aventura que les llevará más allá de su imaginación.

Gatobús Nekobasu

En esta película, los personajes, la animación, todo, es muy llamativo y está muy bien logrado, al igual que la imaginación de Miyazaki y la inocencia que lo engloba... La idea de "Mi vecino Totoro" surge de un pequeño corto llamado Mei and the Kittenbus. El cual es imposible de encontrar, salvo en el Museo Ghibli, claro.

Toda la historia de la película nos traslada por inmensos y verdes prados ya que los protagonistas viven en una casita rodeada de una mágica naturaleza llena de vida y de fantasía. Un joya inmortal de obligada visión que, a pesar de ser de corte infantil, seguro hará las delicias tanto de mayores como de los más pequeños.

Tráiler Mi vecino Totoro

10. Laputa: El Castillo en el Cielo

"Laputa: Castillo en el cielo", es la primera película plenamente Ghibli, sobre idea y guión de Miyazaki. Es la preferida de los que prefieren "la acción". Dos jóvenes, Shita y Pazu, van al encuentro de una isla volante, obra de una civilización aparentemente extinguida. Enfrente tienen a Muska, el villano que aspira a dominar la isla, y la banda de piratas que sólo buscan enriquecerse.

Situada en un ambiente minero, en un lugar indeterminado y en una época ambigua, aunque con tintes retrofuturistas: se diría una Europa siglo XIX. En particular, se dice que Miyazaki se inspiró en una visita a Gales para crear este paisaje, con artefactos imaginarios, de un futuro que no fue.

El Castillo en el cielo

Por razones obvias, la versión española elude el nombre de la isla "Laputa" en el título, que pasa a ser simplemente "El castillo en el cielo". Y cuando hay que nombrarla lo hacen como "Lapuntu". El nombre original, "Laputa", proviene de "Los cuentos de Gulliver", de Swift. Y según parece, éste (a diferencia de Miyazaki) no ignoraba cómo suena esa palabra para los hispano hablantes.

La película tiene un claro precedente en "Conan, el niño del futuro", por su espíritu de aventura y su pareja protagonista. Quizás esta película de Miyazaki sea la que más a propósito intenta provocar una identificación con las imaginaciones juveniles; cosa frecuente en el anime. En lo técnico, la película muestra progresos evidentes. Más seguro el dibujo y la animación; notable la paleta de colores.

Tráiler El castillo en el cielo

11. Nausicaä del Valle del Viento

Nausicaä es el segundo largometraje de Miyazaki (1984). El primero, si contamos las películas plenamente suyas (concepción, guión y dirección) y también suele incluirse como primera película del Studio Ghibli; aunque en realidad, es anterior. Pero la inclusión se justifica porque es la que abrió el camino a la fundación del estudio, y porque forma parte del espíritu Ghibli.

Nausicaä del Valle del Viento

La ambientación es futurista, una especie de edad media post-apocalíptica en una región indeterminada. La historia narra como pasados varios siglos de una guerra catastrófica, la humanidad sobrevive esforzadamente, a orillas de un bosque contaminado (el Mar de la descomposición) con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubre gran parte de la Tierra. El Valle del Viento es un reinado minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Nausicaä es la única hija sobreviviente del rey, gran piloto y guerrera, y también compasiva de toda vida. Trata de encontrar un sentido al bosque contaminado y se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que tiene una extraña simpatía.

La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero "dios de la guerra", de los tiempos de la gran guerra, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado.

Nausicaä

Es una de las obras de tono más épico de Miyazaki, comparable en este aspecto (y en el tema ecologista) a "La princesa Mononoke". El género de película de acción y el escenario fantástico también lo acercan a "Laputa". Dignos de mencionar son también el carácter de la protagonista, rasgo casi constante y muy típico de Miyazaki, con su esfuerzo pacificador y comprensivo en medio de la discordia, y los vehículos voladores.

El nombre de la protagonista proviene de un personaje secundario de la Odisea. Miyazaki conoció a la Nausicaä por un libro de B. Evsling sobre mitología griega y quedó fascinado por aquella muchacha bella, sensible e independiente. En su mente quedó asociada a una princesa de Konjaku Monogatari (saga de cuentos tradicionales japoneses) amante de la naturaleza.

El manga comenzó a publicarse en 1982 y tuvo tal éxito que, en seguida le ofrecieron a Miyazaki convertirlo en un cortometraje, a lo cual se negó en un principio porque consideraba que no sería nada fácil adaptarlo. Tras mucha insistencia, cedió, ya que aquella era su oportunidad para dedicarse a lo que le gustaba, pero siempre con sus condiciones: tendría total libertad creadora. De esta forma, el proyecto fue aumentando y acabó por convertirse en el largometraje del que estamos hablando.

El argumento de la película es muy diferente al manga, ya que, por un lado, éste no estaba terminado (ni siquiera en la mente de su creador) cuando se realizó el film, pues siguió publicándose hasta 1994. Y, por otro lado debido a que el material no se ajustaba a un largometraje tan cómodamente como a historietas seriadas, como ya se temía Miyazaki. Fue una dura tarea, que el japonés recuerda como un auténtico sufrimiento debido, seguramente, a su afán perfeccionista.

Tráiler Nausicaä del Valle del Viento

12. Origen: Espíritus del Pasado

“Origen: Espiritus del Pasado” (2006), es una película del estudio de animación Japonés “Gonzo” (no todo iba a ser Ghibli) dirigida por Keichii Sugiyama. Es la primera película de este estudio y ganadora del Festival de Annecy: Sección oficial largometrajes a concurso.

Origen: Espíritus del Pasado

La película nos lleva a un mundo futuro donde la humanidad ha sido recluida a pequeñas villas. El bosque ha tomado la iniciativa y tiene recluida a nuestra raza en estos lugares, privándola de elementos básicos como son por ejemplo el agua. Ahora, los seres humanos debemos pagar por lo que hicieron nuestros antepasados con la naturaleza hace 300 años. Pese a todo hay un nexo, el bosque y los humanos tienen un epicentro: los humanos intensificados. Humanos que se dejan poseer por el poder del bosque con lo que ganan fuerza, velocidad, vitalidad, pero a costa de ello a largo plazo acabarán formando parte del bosque, convirtiéndose al final en arboles.

Esta es la base de una historia, que nos narra las aventuras del joven Agito y la preciosa Toola, una mujer del pasado encontrada en una cápsula mientras dormía.

La historia tiene elementos tópicos, tenemos al villano de corazón puro que acaba provocando problemas, una máquina de guerra impresionante, entes, batallas, dragones, etcétera. Nuestro héroe en si mismo es un cliché andante: joven despreocupado que encontrará el valor en su interior y se convertirá en salvador de su tierra. Tiene su inspiración en obras maestras como Nausicaä de Studio Ghibli pero su trama nunca se hace aburrida.

La máxima de "Origen: Espíritus del Pasado" es su animación, simplemente sensacional, y al nivel de las producciones anime más exigentes. Es una buena película con escenas brillantes y una banda sonora realmente rompedora. Recomendada como alternativa al sensacional Studio Ghibli.

Tráiler de Origen: Espíritus del Pasado

13. Tokyo Godfathers

"Tokyo Godfathers" (2003), es un anime dirigido por Satoshi Kon, de quien ya hemos comentado por películas como "Perfect Blue" (trhiller), y de quien podríamos mencionar también "Millennium Actress" (romántica), y "Paprika" (fantástica).

La de "Tokyo Godfathers" (Los padrinos de Tokio), es la historia de Gin, Hana y Miyuki, los tres miembros de una peculiar “familia”. Gin, es un borracho de unos cincuenta años que asegura haber perdido todo por una mala apuesta. Hana es un homosexual travestido, de la misma edad, huérfano y sin hogar. Por su parte, Miyuki es una chica joven que escapó de casa y no desea saber nada de sus padres. La víspera de Navidad, mientras buscan algo útil entre un montón de basura, encuentran a una niña recién nacida. Gin y Miyuki mantienen que deberían llevarla a la policía, tanto por la gravedad del asunto como porque es posible que los padres se arrepientan y quieran recuperarla, pero Hana no está de acuerdo, su opinión es que se trata de un regalo de Dios, así que que deben quedársela. Sin perder un segundo, bautiza a la recién nacida como Kiyoko (“niña pura”).

Tokyo Godfathers (Kiyoko)

Finalmente sus otros acompañantes consiguen convencerla con un plan alternativo: buscar a la madre de la niña, conocer sus circunstancias y quizá devolvérsela. Para empezar, tienen una llave que se encontraba en el mismo cesto del bebé, con la que abren una taquilla. Allí encuentran, entre otras cosas, una foto de los padres de Kiyoko y unas tarjetas de un club nocturno. Comienza así la odisea de estos tres particulares héroes, que deben resolver el misterio de la familia de la niña, mientras soportan y tratan de superar sus propios dramas personales.

Tokyo Godfathers

La resolución de los diferentes enigmas hace avanzar a "Tokyo Godfathers" como un relato de decepciones, tristeza, alegría, amor y esperanza, un cuento navideño clásico con todos sus ingredientes: la redención, los buenos sentimientos, el paisaje nevado, el canto a la familia y la amistad verdadera, y una ración de magia, habitual en este tipo de historias y perfectamente integrada por los guionistas, con un gran sentido del humor.

La música de Keiichi Suzuki y los Moonriders acompaña estupendamente el desarrollo de la acción, que a veces se dispara de forma vertiginosa. Es una película que te hará reconciliarte con la raza humana, y que te sorprenderá.

Tráiler de Tokyo Godfathers

14. Paprika. Detective de los sueños

"Paprika. Detective de los sueños" (2006), dirigida por Satoshi Kon y protagonizada por Animation, escrita por Kon junto a Seishi Minakami. La excusa argumental es la creación de una máquina que permite a alguien introducirse en la mente de otras personas, provocando cambios que pueden llegar a ser desastrosos. El psiquiatra Atsuko Chiba ha desarrollado un método de terapia revolucionario denominado "PT", un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Pero uno de los modelos de "PT" es robado del laboratorio del Dr. Atsuko, y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen.

Paprika. Detective de los sueños

En el film, Kon nos sumerge en una serie de espectaculares fantasías que llegan a confundirse con la situación real de los personajes que llevan la investigación. Desde la escena inicial, donde vemos un vibrante y confuso sueño que contiene claves de lo que ocurrirá a continuación, la película es un continuo viaje donde las diferentes subtramas se van entrelazando y los diferentes personajes van descubriendo el sentido de lo que pasa a su alrededor e incluso dentro de sí mismos. La resolución de una trama misteriosa que resulta ser mucho más compleja y peligrosa de lo que parecía en un primer momento es otro de los habituales recursos del director, muy efectiva para mantener al espectador pegado a la pantalla.

Paprika

La banda sonora de Susumu Hirasawa es otro elemento sobresaliente, que se acopla estupendamente al carrusel de emociones planteado por Kon. En definitiva, "Paprika" es una explosiva montaña rusa de fascinantes imágenes animadas que atrapa al espectador desde el comienzo y no lo suelta hasta que aparecen los títulos de crédito. Una película que no os podéis perder; una auténtica joya de Satoshi Kon y ¿quizá el origen de "Origen"?

Tráiler Paprika. Detective de los sueños

15. Steamboy

"Steamboy" (2004), film producido por Katsuhiro Otomo, famoso, como ya hemos comentado, por su obra de manga y anime "Akira" (1989). Steamboy fue galardonada con el premio a la mejor película de animación en el Festival de Cine de Sitges.

La historia narra como en la Inglaterra victoriana un joven inventor llamado Ray recibe una misteriosa bola metálica de su abuelo científico, Lloyd. Desde ese momento, Ray se ve empujado a un mundo de aventuras e intrigas increíbles. La bola metálica es, de hecho, una “bola de vapor”, el corazón de un misterioso y siniestro “castillo de vapor”, y la clave secreta de una fuerza de poder incomparable. Pero hay varias organizaciones poderosas ansiosas por capturar la “bola de vapor” y Ray debe decidir cual de esas organizaciones representa el bien y cual el mal.

Steamboy

La consiguiente lucha por la bola atraviesa tierra, mar y aire e impulsa a Ray a la aventura más excitante de su vida. Con su propio padre y abuelo enfrentados y en desacuerdo sobre el rumbo del progreso y el significado de la ciencia, Ray debe tratar de determinar por sí mismo en qué creer y finalmente en quién puede confiar, mientras el futuro se encuentra en sus jóvenes manos.

Katsuhiro Otomo crea una película visualmente asombrosa. El Neo-Tokio de "Akira" era una metrópolis de apretados rascacielos, neones y vídeo-pantallas, hogar de una heterogénea mezcla de bandas de motoristas, revolucionarios, militares, fanáticos religiosos y mutantes psico-quinéticos. El mundo de Steamboy no está menos obsesionado por la tecnología, solo que de una manera diferente.

Steamboy Ray

En compañía de sus diseñadores, Otomo pasó varios meses en museos de Inglaterra estudiando arquitectura y tecnología del siglo XIX. Su esfuerzo dio el fruto esperado: el film destila una gran autenticidad en su recreación de los edificios londinenses de la época, como el Palacio de Cristal, San Pablo o el Puente de Londres. Las escenas de apertura nos muestran de manera fantástica un Manchester de edificios de ladrillo rojo ennegrecidos por el hollín que emiten las chimeneas de fábricas y talleres.

Steamboy se ha convertido en la película de animación más costosa de la historia del anime hasta la fecha. Los detalles del dibujo son muy minuciosos, gracias a que Otomo exigió que el departamento de arte entregase los más detallados dibujos sin poner un límite de tiempo para ello, lo cual repercutió fielmente en la gran calidad y detalle de cada escena, aunque también en el largo periodo de producción de la película, 10 años.

Si por algo puede recomendarse el visionado de la película es por su indiscutible brillantez visual desde el primer fotograma hasta el último.

Tráiler Steamboy

16. Arrietty y el mundo de los diminutos

"Arrietty y el mundo de los diminutos" (2010) es una película dirigida por Hiromasa Yonebayashi, bajo la supervisión y guión de Hayao Miyazaki. Está basada en la novela de Mary Norton y que ha sido galardonada por la Academia Japonesa a la mejor película de animación en 2010.

Arrietty y el mundo de los diminutos

Su historia está impregnada con la influencia de otros títulos del estudio Ghibli como son "Mi vecino Totoro" o "Ponyo en el acantilado" y cuenta cómo en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada...

Casa subterránea de Arriety

Se trata de una adaptación del cuento infantil "The Borrowers", escrito por Mary Norton y ambientado en el Tokio contemporáneo. Curiosamente, la casa bajo la que vive Arrietty, está basada en la casa en la que la autora se crió.

Por su parte, Arrietty como protagonista no tiene demasiadas vueltas, aunque cuenta con mucho más carisma que los personajes principales de las últimas películas del estudio. Seguramente que desde los tiempos de San y Ashitaka en "La Princesa Mononoke" y Haku en "El viaje de Chihiro" no vemos una protagonista tan carismática y completa. Ni Sosuke ni Ponyo en "Ponyo en el acantilado", ni Arren ni Therru en "Cuentos de Terramar" y si me apuráis, ni Sophie en "El castillo ambulante" tenían esa solidez. Arrietty recupera el perfil de la heroína clásica de Miyazaki, retrayéndonos a los tiempos de Lana, Nausicaä, Sheeta o Kiki (Nicky en España).

Arrietty

Es por encima de todo una fábula contemplativa, de perfección y belleza visual deslumbrante, de una atmósfera única provocada en parte por una bonita banda sonora. Desde cada hoja del jardín hasta la perspectiva de los gigantescos objetos cotidianos bajo la óptica de los seres diminutos; desde la incontable relación de mecanismos ingeniosos que usa la familia de Arrietty hasta el detallismo extremo de la casa de muñecas... Aunque no tiene los momentos prodigiosos y espectaculares que logra Hayao Miyazaki, pero su minimalismo barroco también tiene encanto y logra sus propios grandes momentos desde otro estilo diferente.

Película recomendable para todas las edades por su mensaje ecologista, por la fuerza con la que defiende la libertad y la asunción del destino propio. Arrietty es una película que, en definitiva, trasmite una sensibilidad a flor de piel que traspasa la pantalla, aparte de que respira el aroma de los clásicos de los 80 de Hayao Miyazaki.

Tráiler de Arrietty y el mundo de los diminutos

17. Cuentos de Terramar

"Cuentos de Terramar" (2006) es la película de anime del Studio Ghibli dirigida por Goro Miyazaki, hijo de Hayao Miyazaki. Está basada en el tercer libro de la serie “Terramar, La costa más lejana”, escrita por Ursula K. Le Guin. Se ha publicado en Japón una adaptación del manga. Fue nominada para competir en el Festival de cine de Venecia en el 2006.

Cuentos de Terramar

En un mundo gobernado por la magia y, ante todo, por las palabras, pues cada cosa posee su nombre verdadero (el designado durante la Creación, que otorga a los hechiceros el dominio sobre los elementos y los animales) sus gentes, sencillas y tranquilas, tienen como único objetivo conseguir paz y sabiduría... Sin embargo los ciudadanos se comportan de manera extraña, algo pasa en Terramar. Los dragones no deberían de entrar en el mundo de los humanos y sin embargo, vienen de visita desde tierras lejanas. Gen, un reputado mago, preocupado por estos fenómenos, comienza a investigar la procedencia de estos peculiares sucesos; iniciando un viaje en el que conocerá a Arren, un príncipe que en situaciones críticas adquiere poder al mismo tiempo que odio y crueldad, lo cual utilizará para la protección de Teru, una enigmática joven que encuentran en su travesía. Pero no cuentan con todo a su favor, pues de los miedos de Arren se aprovechará la bruja Kumo, quién enfrentará al joven contra su compañero y amigo Gen.

Cuentos de Terramar

Pocos podrán evitar comparar esta película con las de Hayao Miyazaki, evidentemente no está a la altura y por eso puede resultar algo decepcionante, pero esto no quiere decir que no merezca la pena o que no tenga calidad.

Posee una animación extraordinaria, propia del Studio Ghibli, y un buen uso del 3D integrado en las clásicas 2 dimensiones. Gracias a esto sobrevolar Terramar resulta bastante espectacular y luce especialmente en la reconstrucción del reino de Terramar, sincretismo de arquitecturas de épocas y civilizaciones diferentes, y en el dibujo del malvado hechicero que reta a la muerte.

Está bien ambientada, termina dejando mejor sabor de boca de lo que parece a simple vista. Como contra el único problema que quizás tiene es que no termina de conseguir transmitir esa magia que caracteriza la mayoría de películas de Ghibli, por un guión un poco forzado que no explica del todo bien lo que pasa.

Tráiler Cuentos de Terramar

18. Ponyo en el acantilado

Hayao Miyazaki dirige "Ponyo en el acantilado" (2008), un film de animación tradicional en el que Sosuke, un niño que vive con su madre en una casa de un acantilado, encuentra a un pez rojo, con cara de niña, a quien pone el nombre de Ponyo. Ponyo tiene poderes mágicos, así que las ancianas del asilo en el que trabaja la madre de Sosuke se alegran de verla, pero una de ellas teme que provoque un tsunami, pues eso presagia la tradición sobre los peces con cara. A pesar de la advertencia, Sosuke decide quedarse con ella. Pero Ponyo no es un pez cualquiera, en lo más profundo de su ser radica el deseo de convertirse en humano.

Ponyo en el acantilado

Hay que reconocer que el director japonés tiene una gran imaginación y una sensibilidad especial para captar las vibraciones del mundo infantil. Por ello esta es la película de Miyazaki que con más comodidad podrían ver los niños y niñas, pues es la que tiene una progresión de los acontecimientos más ordenada y más clara. Las intenciones del autor de crear nada más que ternura se demuestran sin disimulo en esa canción final semejante a los karaokes que incluyen todas las series de anime.

Ponyo con sus hermanitas

Mantiene Miyazaki esa imaginación desbordada –y en este film el término se aplica incluso literalmente— que suele mostrar en otros films. Los componentes oníricos que siempre le acompañan están aquí presentes creando, de nuevo, sueños más bellos que los que nuestra mente jamás nos pueda proporcionar. Los juegos visuales que le permiten estos despliegues del subconsciente, como la diosa de los mares, las olas creadas con bancos de peces o las hermanitas de Ponyo, son increíblemente arrebatadores. El estilo del dibujo y la suavidad de la animación convencional completan el milagro.

Sirena reina de las profundidades

Las mitologías que confluyen en la historia de Ponyo son varias, aunque la más clara es la de las sirenas y Poseidón. En el inicio de la película, la trama central presenta similitudes con el manga de Osamu Tezuka, ‘Tritón’, que también echa mano de la figura de las sirenas y los tritones y del antagonista rey de los mares, para crear una historia ecologista y llena de momentos apasionantes.

Ponyo presenta varios estados diferentes: pez con cara, anfibia y niña. En todos ellos, es un personaje con un inmenso encanto y una forma de comportarse simpática y traviesa.

Ponyo en el acantilado

19. La Chica que saltaba a través del tiempo

"La chica que saltaba a través del tiempo" (2006) del director Mamoru Hosoda es una pequeña joya de la animación japonesa. Mejor película de animación en el Festival de Sitges 2006 y basada en el libro de Yasutaka Tsutsui. Esta producción del estudio Madhouse, que tiene cosas en su cartera como Ninja Scroll, es una gozada a nivel artístico. Algunas secuencias están tratadas con un gusto excelente y la película te lleva de la mano durante 98 minutos haciéndose muy llevadera.

La chica que saltaba a través del tiempo

La historia nos cuenta como Makoto Konno, la protagonista femenina, se ve involucrada en un extraño fenómeno y sus dos mejores amigos, Kousuke y Chiaki, acabarán siendo salpicados por esos saltos temporales.

El film tiene un punto de partida en la frase que aparece en varias ocasiones pintada en una pizarra “Time Waits for no one” (El tiempo no espera a nadie). El argumento que acabará complicándose por momentos nos conducirá como espectadores a pensar sobre el árbol de posibilidades que se abre frente a Makoto.

La evolución de Makoto se deja ver poco a poco, aquella chica que no piensa en sus actos o su futuro se transformará en alguien que es consciente que todo lo que hace tiene una repercusión. Incluso descubre qué camino debe tomar en un futuro que poco le importaba en un principio.

Makoto

Consigue llamar la atención y dejar una buena impresión entre quienes gusten de historias emotivas donde también haya espacio para el humor y la acción. A esto hay que sumarle el uso de la banda sonora, compuesta por Kiyoshi Yoshida con la participación al piano de Haruki Mino, y contando con la voz de Hanako Oku para el tema principal. Estas canciones hacen un trabajo más que especial, especialmente en el ending, para terminar de rematar el sentimiento que produce la película y que es sin duda una de las sensaciones que buscan los animadores japoneses cuando nos introducen en las historias personales de personajes de los que no tardamos en encariñarnos.

Tráiler de la Chica que saltaba a través del tiempo

20. First Squad. A moment of Truth

"First Squad. A momento of truth" (2009) es un proyecto conjunto de animación japonesa entre Studio 4 °C y los autores del ruso-canadiense Molot Entertainment. Ganadora del premio del periódico Kommersant. Está dirigido y animado por Yoshiharu Asino, y co-escrito y producido por Michael Spritz y Alexei Klimov. La película se encuentra basada en un manga del mismo nombre y temática.

First Squad

La historia transcurre en la URSS en 1942, durante los primeros días de la Segunda Guerra Mundial en el Frente Oriental. Un grupo de pioneros adolescentes soviéticos con capacidades extrasensoriales, han sido elegidos por la inteligencia militar soviética, para formar una unidad especial conocida cómo 6ª División, que lucharan contra el ejército invasor alemán. Ellos se oponen a un oficial del SS-Ahnenerbe, que está tratando de resucitar de entre los muertos al Barón von Wolff y su ejército de soldados cruzados del siglo XII, de la Orden de La Santa Cruz, para conseguir su apoyo en la causa nazi. 

Muy pronto, durante la invasión a la Unión Soviética, todos los adolescentes mueren asesinados, a excepción de Nadia. Nadia es una niña huérfana de 14 años, con la capacidad de predecir los “momentos de la verdad”, lo que la convierte en la persona clave para evitar la victoria nazi.

Nadia

En la película no son mencionados los apellidos de los cuatro pioneros que murieron, sin embargo en algunas entrevistas, los productores de la película indican directamente que los personajes habían sido basados en unos pioneros-héroes, colegiales reales, honrados durante la Gran Guerra Patria, declarados héroes de la Unión Soviética a tíulo póstumo. Sin embargo, a excepción de los nombres,  los pioneros-héroes reales no llegaron a conocerse uno con otro y murieron en años diferentes durante la guerra.

El anime hace un alarde de concreción contando la historia con los rasgos esenciales y bien definidos. Además, la claridad expositiva es notable dado que utiliza diversos flashbacks y no se pierde el hilo argumental.

Soldados cruzados del siglo XII

Los personajes se dibujan en apenas un par de secuencias y, aunque no se puede profundizar mucho en su personalidad, quedan todos ellos bien diferenciados. Mezcla de forma entretenida y bien hilada la parte más prosaica como son los enfrentamientos entre las fuerzas rusas y las nazis con los agentes con poderes como la protagonista, Nadia, el anciano o las asesinas gemelas nazis, etc..

A pesar de la acumulación y mezcla con lo sobrenatural, merece la pena verla, es entretenida y te mantendrá pegado a la pantalla. Quizás sería un excelente anime para ver antes de comenzar un juego de rol ambientado de la época - especialmente algo como ¡Cthulhu!

Tráiler de First Squad

Y con esto hemos llegado al fin de nuestra lista, pero seguramente habrá muchos que se extrañen ante la ausencia de muchas otras películas de enorme calidad que bien podrían tener cabida en los primeros puestos de cualquier lista. Por eso, vamos a incluir un 'bonus track' para un par de películas que seguro lo merecen y una sorpresa extra:

20+1. Ninja Scroll

Ninja Scroll (1993), de, Yoshiaki Kawajiri, es una película que trata de ninjas con un toque fantástico y sobrenatural, donde no falta la sangre en multitud de violentas escenas de lucha con espadas samuráis (katanas). Fue premiada con el Citizen's Awarden en el festival de cine Yubari International Adventure Fanstastic de 1993.

Ninja Scroll

Ninja Scroll (Jubei Ninpucho) contiene una compleja trama que se va devanando a lo largo de toda la película, donde todo diálogo es significativo. El filme está basado en una época real del Japón feudal, la acción transcurre después de las guerras civiles, cuando el clan de Ieyasu Tokugawa derrota al clan de Hideyoshi Toyotomi en la batalla de Sekigahara. Es aquí donde el autor entonces introduce lo fantástico de la historia: aparece un misterioso ninja de nombre Genmma seguido por un ejército de poderosos guerreros con técnicas increíbles y sobrenaturales llamados demonios Kimón. Esta amenaza es supuestamente liderada por el "Shogún de las Tinieblas", un personaje tácito posteriormente revelado como un otrora sirviente del clan Toyotomi, cuya cruzada secreta es derrocar al shogunato de Tokugawa, fundado y controlado por los antiguos enemigos de su clan.

La película nos sumerge en un Japón feudal, mostrando el mundo oculto y místico de los ninjas (también conocidos como Shinobi), el mundo honorable y valiente de los samuráis y ronins, en el que destacan los duelos a muerte y el compañerismo entre rivales con un fin común. No se deja nada al azar, todo se interrelaciona y tiene una razón de ser.

Posteriormente, en 2003, también se realizó un anime de la serie. Incluso DC Cómics ha editado un cómic bastante fiel en la reproducción del personaje y la historia originales.

Ninja Scroll de DC Comics

Puede presentar algunas dificultades para el espectador occidental, seguramente poco familiarizado con el lenguaje japonés y sus nombres. Otro problema con la comprensión de la película es que hay que tener un pequeño conocimiento de la historia del Japón de esos tiempos ya que es basada en una época real, y en una figura histórica. Además es una obra no apta para menores que está llena de imágenes de violencia y el sexo forma parte importante de la trama sin llegar a ser un anime hentai (pornográfico). 

Escenas no aptas para menores de Ninja Scroll

Quizás estas hayan sido las razones que nos han llevado a otorgarle este puesto especial aunque apartado de nuestra lista. Si no estás buscando una película para ver con tus hijos, prueba con ella, seguro que te gusta!

Tráiler de Ninja Scroll

20+2. Evangelion

Neon Genesis Evangelion, o simplemente Evangelion, es una serie de anime creada por el estudio Gainax y dirigida por Hideaki Anno. Y si, como bien habéis leído es una serie de anime, razón por la cual no aparece en los puestos de nuestra lista, pero también es cierto que a partir del éxito de la serie original se fueron creando diversos spin-offs, entre los que se incluyen series de manga, películas y videojuegos que complementan u ofrecen una realidad alternativa de la historia. 

Neon Genesis Evangelion

Y son estas películas las que bien podrían ocupar cualquier primer puesto de cualquier lista. No en vano esta producción es considerada como uno de los mejores ejemplos del género del realismo épico y ha recibido algunos de los mayores premios de animación. Por todo ello, Evangelion es considerado por muchos como una de las producciones más grandes del anime.

La historia de la obra se da lugar en un mundo futurista. Se inicia en el año 2015 de la era cristiana, quince años después del primer y desastroso contacto con unos misteriosos seres conocidos como ángeles, que resultó en un cataclismo a escala mundial llamado Segundo Impacto, que redujo a la mitad la población humana en la Tierra. Para prevenir futuros ataques de ángeles, la ONU estableció en Tokio-3 la organización NERV, la cual desarrolló una serie de gigantes biomecánicos llamados Evangelion (EVA) para combatirlos. Debido a que los Evangelion solo pueden ser pilotados por adolescentes, el dirigente de NERV, Gendō Ikari, se comunica con su distanciado hijo, Shinji, para que pilote la unidad 01 de los Evangelion, y acabe con el Tercer Ángel, que se halla atacando la ciudad.

EVA - Evangelion

Además de la temática dominante de la lucha entre NERV y Ángeles, otros temas de la serie son el miedo al cambio y a la tecnología, así como la relación entre esta y el hombre, y el abuso de la ciencia. Evangelion está lleno de alusiones a la biología, los conceptos militares, religiosos y psicológicos, así como numerosos homenajes y referencias a otras series de anime. 

Desde su comienzo, Evangelion invoca muchos temas psicológicos, ya sea a través de frases usadas en los episodios, en los títulos de los mismos o en los nombres de la música de fondo, los cuales derivan con frecuencia de Sigmund Freud, y posiblemente con algunas influencias lacanianas en general. El constante uso de la jerga y la teoría psicoanalítica de Freud, así como las alusiones a la religión y la biología son usados idiosincrásicamente para transmitir el mensaje del director. Los temas existenciales de la individualidad, la conciencia, la libertad, la elección y la responsabilidad son muy mostrados en toda la serie, especialmente a través de la filosofía de Jean Paul Sartre y Søren Kierkegaard. Además de las influencias psicológicas y filosóficas, en Evangelion también abundan las alusiones a religiones exóticas para Japón, como el judaísmo y el cristianismo, que juegan un papel central.

Neon Genesis Evangelion, y en especial el Proyecto de Complementación Humana, muestra estar influenciado enormemente por la novela de Arthur C. Clarke titulada El fin de la infancia, hecho que Anno ha reconocido. 

Evangelion: 1.0 You are (not) Alone

Son unas cuantas las películas de Evangelion, pero si queréis probar y comenzar ahora a verlas os remitimos al remake (Rebuild of Evangelion) que el propio Hideaki Anno realiza a partir de 2007 con su nuevo Studio Khara y que se estructura en cuatro películas, la última aún por estrenar:

• Evangelion: 1.0 You Are (not) Alone, 2007.
• Evangelion: 2.0 You Can (not) Advance, 2009.
• Evangelion: 3.0 You Can (not) Redo, 2012.
• Evangelion: Final, prevista para otoño de 2013.

Os dejamos con un trailer de Evangelion 1.0 y 2.0 con la magistral música de Réquiem por un sueño que a buen seguro os levantará a muchos las ganas de ver estas películas... o incluso de volver a verlas a otros tantos, ¿eh?

Tráiler de Evangelion 1.0 y 2.0

20+3. ¡Bonus Track!

Por último, y ya que destacamos en numerosas ocasiones las bandas sonoras de estas películas, comentaros que muchas de ellas, principalmente las del Studio Ghibli, en su mayoría han sido compuestas por Joe Hisaishi. Y para que podáis apreciar la calidad de estas creaciones aquí os dejamos también un vídeo de un concierto de música de películas de anime que dirige el propio Joe con motivo del 25 aniversario del estudio Ghibli y con la presencia de Miyazaki. Una delicia para los oídos.

Studio Ghibli 25 Years Concert

Hasta aquí nuestra lista, aunque seguro que dejamos muchas películas fuera, pero en algún momento hay que cortar, ¿no? Sin embargo, podéis decirnos en comentarios, ¿cuales otras películas están en vuestro Top 20?

Vía:

http://www.sosmoviers.com

http://generacionghibli.blogspot.com.es

http://www.sensacine.com

http://www.filmaffinity.com/

http://www.blogdecine.com/
http://es.wikipedia.org